VIDAS CRUZADAS (1993)

VIDAS CRUZADAS
Short cuts
D: Robert Altman.
G: Robert Altman y Frank Barhydt.
F: Walt Lloyd.
M: Mark Isham.
R: Andie McDowell, Julianne Moore, Frances McDormand, Matthew Modine, Jack Lemmon, Anne Archer, Fred Ward, Jennifer Jason Leigh, Chris Penn, Bruce Davison, Lily Taylor, Robert Downey Jr., Peter Gallagher, Madeleine Stowe, Lily Tomlin, Tim Robbins, Tom Waits Annie Ross y Lori Singer.
Color-189 m.

En la ciudad de Los Ángeles, varias historias dispares y en principio un tanto banales se cruzan y entrecruzan entre sí. Un fin de semana cualquiera en la ciudad de Los Ángeles. La ciudad esta siendo fumigada por helicópteros para acabar con la mosca de la fruta. Los Finnigan han perdido a su único hijo de nueve años. El agente de policía Shepard, trata de deshacerse del perro familiar ante el desconsuelo de los hijos. El Doctor Giman y su esposa pintora, Marian. El parado Stuart y su mujer, Claire, que trabaja actuando de payaso en fiestas infantiles. Jerry, un cuidador de piscinas y su esposa Lois, que atiende una línea erótica mientras cuida de sus hijos y la casa. Bill un aprendiz de maquillador y su esposa, Honey; La camarera Dorren y el chofer alcohólico Earl. Betty y Stormy, una pareja que se separa cuando ella encuentra a otro hombre y el se venga destruyendo su hogar. Además la cantante Tess y su hija violonchelista, Zoe.

Después de más cuarenta años realizando pequeñas películas independientes (sus intentos con las majors se han saldado con estrepitosos fracasos, amen de sus numerosos encontronazos con los productores por su carácter rebelde y díscolo) el director y guionista Robert Altman, hace su obra maestra, algo difícil, en el panorama cinematográfico de principio de la década de los noventa. Pero Altman, siguiendo su personal estilo de realización (como otros grandes, Allen, Eastwood o Scorsese) con el que relata historias corales, con un gran numero de personajes principales. A partir de nueve cuentos y un poema de Raymond Carver (solo un personaje, Zoe, es inventado por el director y el guionista Frank Barhydt, para que la música de la película tenga un origen real), Altman, entrelaza las historia de los veintidós personajes. Entre el espectacular comienza un viernes (con la escuadrilla de helicópteros que fumigan la ciudad) a un aparatoso final, (que prefiero no desvelar para quienes queráis verla) que ocurre la tarde de un domingo.

Bien es cierto que se necesito de muchas coincidencias, para que el film fuese adelante. El primero fue el ser despedido del rodaje de “Rossini, Rossini” cuando ya estaba en Italia. El segundo que su ayudante le comprase una antología de cuentos de Carver para ese largo viaje. La siguiente fue la negociación para llevar estos a la pantalla. Resultó que la viuda del escritor era una fanática de una de las películas de Altman, “Nashville” y le dio todas las facilidades posibles al director. Para finalizar este ambicioso proyecto no se podría haberse llevado a cabo sin la financiación que se obtuvo del notable éxito de la anterior película de Altman, “El juego de Hollywood”.

Hecha la presentación son sumergimos en el film. La película comienza con un escuadrón de helicópteros que fumigan la ciudad de Los Ángeles contra la mosca mediterránea, al ritmo de La cabalgata de las Valkyrias (llevándonos directamente a los bombardeos de NAPALM de “Apocalypse Now”) tocada por el personaje de Daryl Hannah con su violonchelo.

Tras golpear la sanidad (MASH), el matrimonio (Un día de boda), la música (Nashville) y el mundo del cine y la política (El juego de Hollywood) tocaba darle en la línea de flotación del país, el sueño americano (o más bien el antisueño así film se erige en un monumental mosaico sobre las vida de unos personajes de distintas clases sociales, actitudes, mentalidades y formas de encarar la vida… Da igual si estos son policías, artistas, médicos, camareras, chóferes o amas de casa, todos son diseccionados por los afilados bisturís de los doctores Altman, Barthydt y Carver. Convirtiéndolos en títeres de carne y hueso inmersos en ese perfecto retablo confeccionado por Altman en el que apenas se notan los ensamblajes de las historias, donde los personajes fluyen de una a otra con gran facilidad.

La cuidada estructura argumental, su habitual estilo de planos largos rodado siempre con la cámara en movimiento, y sobretodo, su gran carga critica, le permitió ganar el León de oro en la Mostra de cine de Venecia. Es practicamente imposible quedarse con una de las interpretaciones por que todos estan perfectos. Aunque yo personalmente tengo predilección por los personajes de Tim Robbins, Andie McDowell y la pareja formada por Lily Tomlin y Tom Waits.

La verdad es que después llegaron Alejandro González Iñárritu y Rodrigo García para con el mismo patrón de guiones formados por varias historias entremezcladas y relacionadas, donde se va saltando de una a otra de manera que el espectador quede enganchado al conjunto, y convirtieron el genero en algo más conocido y notorio y pese a tener obras de arte como Amores Perros o Nueve vidas no llegan al nivel de esta.

En mi opinión de todo este tipo de películas corales, las mejores y notoriamente destacadas sobre el resto son esta "Vidas Cruzadas" de Altman y la fundamental "Magnolia" de Paul Thomas Anderson. Esta mos ante una de las películas clave de la década de los 90.

FORAJIDOS (1946)

Forajidos
The Killers
Estados Unidos, 1946
D: Robert Siodmak.
G: Anthony Veiller.
F: Elwood Bredell, en blanco y negro.
G: Miklós Rózsa.
R: Burt Lancaster, Edmond O'Brien, Ava Gardner, Sam Levene, Albert Dekker, Virginia Christine, Vince Barnett, Charles Brown y Charles McGraw.
103 m.

Robert Siodmak nunca tuvo el reconocimiento que se merecía. Tan solo muchos años más tarde, los críticos, sobretodos los franceses de la Nouvelle Vague reconocieron como obras maestras algunos de sus títulos como: Los hombres del domingo (1930), El sospechoso (1944), La dama desconocida (1944), La escalera de caracol (1945), Pesadilla (1945), A través del espejo (1946), Una vida marcada (1948), El abrazo de la muerte (1949), El caso de Thelma Jordan (1950) o diablo ataca de noche (1957) y muy especialmente El temible burlón (1952) y la película que comentamos, Forajidos (1946).

Estamos en una de las obras maestras del cine negro americano, y en uno de los pelares del genero en la década de los cuarenta. Basada en un relato corto de Ernest Hemingway, y con guión de Anthony Veiller (acompañado por Richard Brooks y John Huston, aunque estos no fueron acreditados, aunque escribieron buena parte del guión hasta que Veiller lo hiciera definitivamente). También Don Siegel tuvo en sus manos el guión del film y veintidós años después filmo un excelente remake titulado Código del Hampa (1964).

Gracias al éxito del film, el director se consagro definitivamente, y la industria le confió a partir de ese momento algunas películas, generalmente también film negros, con estrellas. Ava Gardner y Burt Lancaster (en aquellos momentos desconocidos) también se convirtieron en estrellas y volvió a contar con ellos más adelante, pero por separado en dos de sus películas más reconocidas…
Siodmak no quería ninguna cara conocida para los papeles del film. De esa forma Lancaster debutaba en el cine, mientras que era la quinta aparición de Gardner en la gran pantalla (aunque sus papeles hasta ese momento habían sido insignificantes). Para el tercer papel del film se eligió a Edmond O’Brian que pese a que había interpretado a algún protagonista llevaba un tiempo sin salir en cine, por que había estado combatiendo en la segunda guerra mundial y reedebutaba en este film.

La primera secuencia del film (los que están basados directamente en el relato de Hemingway) es realmente aterradora e intimidatoria. Dos mafiosos con modales violentos llegan a un pequeño pueblecito buscando al sueco. Estos entran en una cafetería medio vacía, tras intimidar a los clientes. Cuando se quedan solos con el camarero le preguntan a los trabajadores si conocen al sueco. Al no recibir la información que estos querían abandonan el lugar dejando tras de si un rastro de muerte y destrucción totalmente gratuita. Acto seguido un chaval advierte al sueco, que corre peligro. Este indiferente responde “Estoy harto de huir”. Envueltos entre las sombras aparecen los matones, el sueco no se mueve, se limita a mirarlos, a terminarse el cigarrillo y a abandonar la vida. Se tratan de diez minutos modélicos, que hacen pensar al espectador… ¿Qué ha pasado anteriormente? ¿Por qué han matado al sueco?

El resto de la película se limita a buscar respuesta a esas preguntas mediante la investigación de Jim Reardon (un agente de seguros) que debe buscar a los herederos de Ole ‘el sueco’ Anderson, a los que ha dejado una póliza de 250 dólares. Este personaje se va entrevistando con personas que había conocido a el sueco en vida y mediante flashbacks, vemos conociéndolo nosotros también y vamos reconstruyendo el puzzle de su vida y cerrando esas preguntas abierta s en los primeros minutos del film.

A sabiendas que es arriesgado comparar los estilos de Siodmak y Quentin Tarantino he encontrado varios paralelismos. El uso de la violencia más cruda (a diferentes escalas, por que lo que escandalizaba en 1946, ni mucho menos era lo mismo que en 1994 cuando el realizador de Knoxville hizo su Pulp Fiction), el desorden argumental base de flashbacks (algo que siempre han atribuido a Tarantino, pero que Welles en Ciudadano Kane, ya había utilizado cinco años antes, que Siodmak en Forajidos). El realizador huye de la violencia fácil, sino que la convierte en rebuscada y cruda, tampoco abusa de las luces y sombras tan típicas del cine negro, creando un mundo oscuro donde la violencia esta presente, pero no siempre se sale de esas sombras, creando una sensación estresante y perturbadora en el protagonista, pero también en el espectador.

DESERET (1995)

Deseret, 1995
D: James Benning.
G: James Benning.
F: James Benning, en b/n y color.
R: Fred Gardner.
Duración: 81 m.

Desde que comencé el desafío1001 no me había enfrentado a una película no que no había visto antes, y como hacía unos meses que lo tenia abandonado que decidido comenzar con un reto dentro de un reto. Visionar una película que no había visto antes y además enfrentarme a una cinta en ingles sin subtítulos. A ello le sume que tenia una noche para escribir lo que había sentido al verla, ya que al ser un film experimental, me parecía más puro escribir casi al mismo tiempo que veía el film. Y así fue…

James Benning coge la fundación, en 1951, de uno de los diarios más importantes del país (tal vez del mundo), el New York Times, como punto de partida de Deseret.

Gracias al uso de una cámara inmóvil la película explora ese estado provisional que propusieron los mormones tres años antes de la fundación del diario que mencionamos.

Allí vemos todo tipo de lugares: desiertos, parajes nevados, ruinas, cementerios, casas de colonos y caminos que parecen conducir a ninguna parte. Lo que si tienen en común (además de estar todas ubicadas en el estado mormón) es que apenas tenemos constancia de personas en esas localizaciones, como mucho alguna figura aislada y muy lejana, pero pese a ello somos conscientes de que están ahí.

Pese que el libro dice que son 93 Imágenes compuestas sobre 93 pasajes del New York Times acerca del estado que posteriormente fue Utah, yo tengo serias dudas. Por supuesto no me he puesto a contarlas, pero las imágenes avanzan a más de una por minuto así que deben ser más, mientras hay imágenes que se mantienen en silencio por lo que los pasajes deben ser menos, pero eso es una banalidad…

El film comienza siendo en blanco y negro y con imágenes que aparentan ser de la época 1851-1899, pero ya en una de las primeras puedo ver legar un coche… más adelante podemos ver fabricas y carreteras con vehículos circulando por lo que se rompe esa magia de aparentar llevarnos a la época. Así como sobrepasamos el año 1900, las imágenes se convierten en color.

Los retazos del periódico cuentan la historia del estado desde la creación de los asentamientos, la persecución de los mormones, los combates contra los indios, la lucha por convertirse en un estado, El rápido enriquecimiento de los ciudadanos de Salt Lake City hasta las pruebas nucleares en el actual estado de Nevada (que también formaba parte de Deseret)…

Los pasajes terminan en 1991, pero el film se estreno en 1995, por lo que tengo que pensar que las labores de postproducción se alargaron y que un film experimental como este pudo tener problemas para estrenarse.

Deseret trata sobre la historia y el periodismo, pero también sobre la historia del cine y cómo esta se aplica a todas las historias. Pero el film además de nos ser muy interesante (puedo considerarme un fan del cine surrealista, pero no del experimental) ha envejecido muy mal (el grano del video es muy evidente) pese a solo tener 16 años parece un film sin restaurar de los años 30. Como digo no soy fan de este tipo de cine, pero creo el cine de Warhol, Lynch o Kiarostami tiene mucha calidad y tiene más de experimental que la película de Benning.

THE FRENCH CONNECTION, CONTRA EL IMPERIO DE LA DROGA (1971)

The French Connection
Estados Unidos, 1971
D: William Friedkin.
G: Ernest Tidyman.
F: Owen Roizman.
M: Don Ellis.
R: Gene Hackman, Roy Scheider, Fernando Rey, Tony Lo Bianco, Marcel Bozzuffi, Frederic de Pasquale, Bill Hickman, Ann Rebbot, Eddie Egan, André Ernotte, Ben Marino…
Color-104 m


Al igual que el western, el cine negro nació encorsetado, este segundo debido básicamente a ser heredero de la novela negra. Y hasta la década de los 60 no pudo evitar esa rigidez y comenzó a tener gran variedad. Ya no eran películas de detectives y gángsteres (aunque de estos nunca se olvidan), y comenzaron a salir subgéneros: las películas policíacas, procesos judiciales, misterios por resolver, asesinos en serie, incluso se atreven a poner al asesino o gángster como protagonista.
Este cambio se inicia gracias al impulso de películas francesas como El clan de los sicilianos o El silencio de un hombre. Pronto Hollywood apuesta por este estilo, más duro, violento y contundente (pero sin implicarse a una renuncia total de los estilos del pasado)… Así llegan A quemarropa, En el calor de la noche, Bonnie & Clyde, Bullit, Harry el sucio, The French connection, Chinatown y por supuesto El padrino…

Uno de los grandes responsables de todo ello es el productor de este film, Philip D’Antoni, que venia de producir Bullit. El compro los derechos de la novela de Robin Moore que narraba las aventuras de Eddie Egan y Sonny Grosso (Policías reales que participaron como asesores en el film). D’Antoni solo le pidió una cosa a Friedkin, una persecución más vibrante que la de Bullit, pero eso si que no lo consiguió, aunque no le sobra brillantez… Nunca olvidaré la muerte de Marcel Bozzuffi (Nicoli en la película), algo tan impactante que llega a convertirse en el practicamente el cartel del film...

Así ubicados ya podemos presentar a los protagonistas de The French Connection: Contra el imperio de la droga. Estos son los Jimmy “Popeye” Doyle y Buddy Rosso son dos policías del departamento de narcóticos de Nueva York que siguen la pista de una red de traficantes de drogas. Malhablados, duros El cerebro de esta red es Alain Charnier, un frío y elegante francés que acaban de llegar a Estados Unidos.

La película tiene algo muy peculiar, su tono documental. Para reflejar con el mayor realismo posible, Friedkin rodó muchas escenas cámara en mano, lo que también implica una grabación del sonido directo, que en su versión original muchas veces resulta algo defectuosa, pero que le da aun más veracidad a la historia. Además se aposto por actores no muy conocidos en Estados Unidos todavía: Gene Hackman (actor secundario en Lilith y Bonnie & Clyde), Roy Scheider (secundario en Klute) y Fernando Rey (con renombre por protagonizar Tristana y Viridiana, ambas de buñuel. Friedkin quería a Francisco Rabal pero no conocía su nombre, sólo sabía que era un actor español. La productora contrato a Rey antes que Friedkin lo viera. Cosas del destino). Los tres forman un trío muy especial, hasta ese momento el cine negro poseía cuatro estereotipos claros de personajes: El héroe, el antihéroe, el villano y la chica. Pues bien, The French Connection es una de las pocas películas de este genero que no tiene este ultimo personaje. Además así como va avanzando la película podemos ver que (al menos uno) de los héroes y el villano no son tan diferentes, convirtiéndose en dos antihéroes, en uno de los primeros enfrentamientos entre antihéroes de la historia del cine… Después llegarían Leone, Tarantino, Rodríguez y las películas de superhéroes para imitar este nuevo estilo…

Aunque la ya mencionada escena en la que Popeye persigue con el coche el metro por toda la ciudad es la escena más recordada, no es mí preferida, si no que es la justo anterior. En ella Hackman y Rey juegan al “corre que te pillo” con miradas y movimientos; el primero solo intenta seguirlo, mientras el español, hace todo lo posible para hacerle esquinazo. Primero por las calles neoyorquinas, y después en la estación de metro. Totalmente sublime.

Si hay un cuarto protagonista (Además de Hackman, Scheider y Rey) esa es la ciudad de Nueva York. Pese a que el libro que marca las películas a ver, dice todo lo contrario vemos dos ciudades de nueva York totalmente diferentes: la primera sórdida, criminal, sucia y oscura y una segunda limpia y luminosa. Pero vemos esas mismas dos caras en Marsella. La única ciudad de la que solo vemos una cara, Washington (Hay si que acierta el libro). Aun así Nueva York, se muestra como la ciudad que es, urbana, atractiva y llena de encanto.

The French Connection, contra el imperio de la droga tiene de los finales más pesimistas de la historia del cine, que por supuesto no voy a desvelar (no como el libro, de nuevo)... Pese a carecer de los elegantes elementos drámaticos de Harry el sucio o Serpico, la dureza de los dos personajes principales hace que tenga muy pocos elementos de drama compasivo pero justamente ese caracter frio, duro y brutal junto a ese final hacen que merecidisimamente el film forme parte de esta selección de las 1001, y no tan solo por ser uno de los máximos exponentes de ese revivir de un genero que llega al siglo XXI totalmente fresco gracias a gente como Scorsese, de Palma, Friedkin, Lumet y Michael Mann, entre otros...

AMERICAN BEAUTY (1999)

American Beauty
Estados Unidos, 1999
D: Sam Mendes.
G: Alan Ball.
F: Conrad L. Hall, en color.
M: Thomas Newman.
R: Kevin Spacey, Annette Bening, Thora Birch, Wes Bentley, Mena Suvari, Peter Gallagher, Allison Janney, Chris Cooper, Scott Bakula y Sam Robards.
122 m.

Lester Burnham es un hombre que lo tiene todo: un trabajo bien remunerado, una esposa atractiva, Carolyn, que a la vez también tiene un buen trabajo, una hija adolescente, y una hermosa casa en un tranquilo barrio residencial. No obstante, un día, Lester abre los ojos y percibe que su vida es un asco, ya que es esclavo de su trabajo, su esposa le pone los cuernos y su hija no le hace caso. Los catalizadores de esos cambios serán Angela, una compañera de clase de su hija y Ricky, el vecino que se ha trasladado recientemente, que se convertirá en su mejor amigo. Así, Lester deja su trabajo y entra a trabajar en una hamburguesería. Vuelve a fumar porros, se compra un coche nuevo, y comienza a ponerse en forma.

Desde la llegada de los efectos especiales, alla a finales de la década de los 70, con el cine de Lucas y Spielberg, el cine norteamericano se ha banalizado y adocenado hasta unos extremos que resultaban muy difícil de imaginar durante la edad de oro del cine (de los 40 a los 60). Es un fenómeno en el cual también son culpables la televisión, la deserción de los adultos de las salas de cine y la realización de un gran numero de películas para un publico de 20 y 30 años, (pero cuya edad mental gira alrededor de los 15) sin embargo, en los últimos tiempos a la vez que desciende el interés medio de las grandes y medianas producciones norteamericanas, también a parece un nuevo tipo de películas, que tratan de encontrar un espacio tanto en Estados Unidos como en Europa, un hueco entre las pocas producciones de calidad de los USA y el cine realizado en el resto del mundo. Este es un cine altamente critico, que parte de la familia tradicional americana, a la que analizan, diseccionan, investigan y terminan descubriendo lo más reconvido de ella.

Este fenómeno comienza con Bienvenido a la casa de muñecas (1995) de Todd Solondz, siguiendo por La tormenta de hielo (1997) de Ang Lee, Happiness (1998) Solondz de nuevo, Magnolia (1999) de Paul Thomas Anderson o las series de televisión Los Simpson y Padre de familia. Sin embargo las películas anteriormente nombradas, son productos independientes, la novedad de American Beauty, es que esta cuanta con la producción de DreamWoks (y aquí aparece el omnipresente Steven Spielberg) con un presupuesto con el cual se podrían haber rodado en casi tres ocasiones las cuatro películas de Solondz, Lee y Anderson.

American Beauty es una visión de los barrios residenciales de Estados Unidos, que recuerda esa falsa belleza del sueño americano gracias a una fuerte elocuencia visual. Es toda una disertación sobre como nos atrapamos en las jaulas, que nosotros mismos construimos y como se sueña por encontrar una salida. Una salida que a veces se traduce en la búsqueda de la soledad. Esa soledad coincide con las mejores escenas de la película. Carolyn, en la casa en venta vacía, recuperando la compostura, o las de Jane y Ricky, en sus habitaciones, después de haber sido agredidos por sus padres, las de Angela llorando en las escaleras, mientras llueve y sobre todo las de Lester, contemplando la fotografía de su familia a poco tiempo de finalizar el film.

A partir del fantastico guión de Alan Ball (dramaturgo y guionista de televisión, que debuta en el mundo cinematográfico) el famoso director teatral, Sam Mendes, que también debutaba en el cine, hace esta dura y divertida critica de una familia norteamericana.

Con una excelente fotografía del veterano Conrad L. Hall, American Beauty, tiene una indomable fuerza y un peculiar sentido del humor, para muchos la película peca de pretenciosa, para otros le falta la garra de las películas de Solondz y compañía, a otros le sobran las escenas en las que Lester, imagina a Angela con los pétalos de flores, por que rompen el sentido realista del conjunto. Y a pesar de ello es una excelente película, que parte de los esquemas tradicionales, fabricados por la todopoderosa industria Hollywoodiense y el cine indie que critica a la sociedad americana, para destruir el más tradicional sueño americano, algo muy de agradecer tanto desde el punto de vista del cine, como la del simple espectador.

Para terminar aportaré unas cuantas curiosidades de la película:
Terry Gilliam fue el primer director escogido, pero dejó escapar la oportunidad de dirigir la película, todo cambio cuando el productor ejecutivo Steven Spielberg recomendó personalmente a Sam Mendes para dirigir la película. La mano que abre la puerta de la cocina y que nos descubre la sangre encima de la mesa es la del director.
El papel de Lester fue ofrecido originalmente a Jeff Daniels, Tom Hanks y ¿¿Chevy Chase??. El papel de Angela Hayes le fue ofrecido a Kirsten Dunst, quien lo rechazó. La mano y el estómago en el cartel de la película no pertenecen a Mena Suvari, sino son las de la actriz y modelo Chloe Hunter, que fue inicialmente contratada para hacer el papel de Angela, y que el director termino substituyéndola. Jake Gyllenhaal y Glenn Close hicieron sendas audiciones para los papeles de Ricky Fitts y Carolyn Burman.
Durante el rodaje Thora Birch tenía 17 años, así que la filmación de su escena desnuda requirió el permiso de sus padres, quienes estuvieron en el plató durante todo el rodaje ejerciendo de representantes de la chica. El apellido del personaje de Mena Suvari, Angela Hayes, hace referencia al apellido de Lolita Haze, personaje de la novela de Vladimir Nabokov, Lolita. Sam Mendes fue cambiando la apariencia de las dos chicas a lo largo de la película. Con Thora Birch utilizaba gradualmente menos maquillaje y Mena Suvari utilizaba gradualmente más para enfatizar su visión de que la opinión que tenían ellas mismas cambiaba.
Alan Ball estaba sentado en la plaza del World Trade Center cuando vio una bolsa de plástico flotando en el viento y le inspiró a escribir el guión de la película. Aunque en todo momento pensaba en una obra para teatro y no en un guión cinematográfico. Las cintas de esfuerzo personal que escucha Carolyn son hechas por el Doctor Alan Ball. Un chiste a costa del guionista.
El realizador eliminó las escenas originales del principio y del final de la película. Originalmente, la película empezaba y terminaba con escenas mostrando a Ricky y Jane en prisión.
La cantante Paula Abdul aparece en los títulos de crédito como coreógrafa de la escena de las animadoras.
Carolyn escucha las canciones de Bobby Darin. Cinco años después Kevin Spacey escribió, dirigió y protagonizo, Beyond the sea, el filme biográfico del cantante al que admira.
El director marco la acción con tres estilos de cámara distintos: el filme tiene un estilo muy elaborado y con pocos movimientos, las fantasías de Lester tienen movimientos más ágiles y fluidos y las grabaciones de video que hace Ricky aportan la energía que da el estar tomadas cámara en mano. Estas escenas fueron rodadas con Digicam por el propio director.
En la oficina de Lester en el trabajo podemos ver un cartel que reza Look closer (Atrévete a ver…). Este cartel lo puso allí, uno de los encargados de decoración, y al director Sam Mendes le encanto tanto que sugirió para que lo utilicen para la carátula y el póster promocional.
El título de la película se refiere a una variedad de rosas que son cultivadas artificialmente para tener una apariencia perfecta pero que no despiden ningún olor. Además esta variedad es propensa a pudrirse por las raíces. En la película se representa la falsa belleza que es sólo apariencia y que realmente esconde algo podrido. Estas aparecen durante toda la película: Carolyn planta y cuida sus rosas en el jardín. Algunos floreros con rosas decoran la casa de los Burnham y las fantasías de Lester sobre Angela se distinguen de la realidad por la presencia de pétalos de rosa.

Como sabéis me gusta reseñar una frase y una escena de cada film, pues bueno en esta no es muy difícil: Y ese es el momento en el que Ricky, el joven obsesionado con la cámara, enseña a su novia, Carolyn, su momento más belloque ha grabado; una bolsa de plástico blanca, baila durante más de quince minutos, junto a las hojas caídas por el otoño, frente a una pared roja. La forma en la que el joven explica lo que ve con sus ojos cristalinos, es memorable…
En cuanto la frase me quedo con la que abre el film: "Me llamo Lester Burnham… Tengo 42 años. En menos de un año habré muerto. Claro que eso no lo se aun… Y en cierto modo, ya estoy muerto. Aquí me tienen cascándomela en la ducha. A partir de aquí, todo va a peor." y con "Hoy es primer día del resto de mi vida". Todo acompañado por la imprescindible BSO de Thomas Newman...

LA EXTRAÑA PASAJERA (1942)

La extraña pasajera
Now, Voyager
EEUU, 1942
D: Irving Rapper.
G: Casey Robinson basado en la novela homónima de Olive Higgins Prouty.
F: Sol Polito, en blanco y negro.
M: Max Steiner.
R: Bette Davis, Paul Henreid, Claude Rains, Gladys Cooper, Bonita Granville, John Loder, Ilka Chase, Janis Wilson, Lee Patrick, Franklin Pangborn.
B/N-116 m.

Pese a ser uno de los melodramas más recordado de la década de los cuarenta, era uno de esas películas que nunca me había llamado la atención y que no tenia recuerdos de haberla visto.
La película cuenta la historia de Charlotte Vale una solterona reprimida por su estricta madre. Tras pasar un tiempo en el sanatorio que dirige el Doctor Jaquith sufre una transformación tanto física como emocional que la llevara a un lujoso crucero por Sudamérica. Allí conoce a Jerry, un hombre casado e infeliz en su matrimonio. El amor surge entre ambos, pero la separación de la pareja, es inevitable…
La extraña pasajera esta dirigida por Irving Rapper y esta protagonizada por una actriz habitual en su cine, Bette Davis que esta vez está excelentemente acompañada por Claude Rains y Paul Henreid (que venían de rodar Casablanca). Los cuatro estan prodigiosos en el film, sobretodo Bette Davis a la que hay que sumar a Gladys cooper (ambas estuvieron nominadas al Oscar) en una actuación que Cuatro años más tarde, los cuatro volvieron a coincidir en Engaño (Deception). Esta es una de esas películas que hecho de menos dentro del listado de las 1001, sobretodo por la interpretación de Rains. La película en si, es una historia de transformaciones. Todos los personajes tienen una gran transformación en el film (excepto la posesiva Sra. Vale, interpretada por Gladys Cooper) siendo la mayor de ellas la de la protagonista. En una de las escenas del film podemos asistir a parte de esta transformación. Bette Davis tras sus días de reposo en el sanatorio, ha transformado trasformando al patito feo de las cejas gruesas, gafas y vestido con trajes largos a ser una mujer totalmente nueva con cejas depiladas, sin gafas y vestida con la ultima moda. Que mejor forma de dar entrada a esa nueva mujer que baja del barco. Gracias a una larga panoramica que va desde sus nuevos zapatos a la cabeza de esta que lleva una pamela que no te deja ver su cara, unos segundos más tarde, Davis levanta la cabeza para poder ver el resultado final de la transformación.
Ahora tras su visionado, no la olvidare nunca, sobretodo a Paul Henreid encendiendo dos cigarrillos a la vez, para acto seguido pasarle uno a Bette Davis, su amante. Recordemos que estamos hablando de una película de 1942 y el código Hays, estaba en su apogeo y no se podía concebir una relación fuera del matrimonio, pero esta acción esta cargada lo suficientemente de una simbología erótica, para imprimir en el subconsciente del espectador que esa relación había ido un poco más allá.
El guión esta lleno de grandes aciertos, como la escena que contiene la gran frase del film. Tras uno de los encendidos de cigarrillos de Henreid, la protagonista quiere dejar bien claro lo imposible que es la relación entre ambos y lo hace en forma de metáfora “Oh, Jerry, no pidamos la luna. Tenemos las estrellas…” para que la camara termine alejandose de ellos para terminar en un cielo estrellado y la genial musica de Steiner. En cambio en algunos momentos al guión le falta fuerza. Muchas de estas veces es por el abuso de diálogos (muchos de ellos excesivamente largos, pretenciosos y banales) que te sacan del film y terminan restándole dramatismo.
Para finalizar destacar la hermosa y melancólica partitura de Max Steiner, que le hizo ganar el Oscar de la academia. De esa misma melodía, se extrajo la canción “It can’t be wrong”, que tan bien cantaba la propia Bette Davis en los años 70.

TENER Y NO TENER (1944)

TENER Y NO TENER
To Have and Have Not
EEUU, 1944
D: Howard Hawks
G: Jules Furthman & William Faulkner basado en la novela homónima de Ernest Hemingway.
M: Franz Waxman.
F: Sid Hickox.
R: Humphrey Bogart, Lauren Bacall, Walter Brennan, Dolores Moran, Hoagy Carmichael, Sheldon Leonard, Walter Szurovy, Marcel Dalio, Dan Seymour y Aldo Nadi.
Blanco y negro-100 min.

Para comenzar el desafio1001 (o deberíamos llamarlo desafío1068) elegí una película del maestro artesano Howard Hawks. Pese haber visto 853, he decidido que voy a comenzar a verlas todas (exceptuando Sin perdón, Las uvas de la ira, Ed wood, El laberinto del fauno y Tres colores: Rojo, que ya han sido comentadas en este blog). Próximamente (y cada cinco dias) intentaré actualizar el blog con una nueva película. Siguientes filmes (Ya visionados): La extraña pasajera, Sucedió una noche, El luchador, Uno de los nuestros, Toro salvaje…

La Warner Bros. tenía firmado un contrato con Howard Hawks para la realización de una película. Cuando comprobó que no podía rodar el film que se pretendía, Hawks propuso adquirir los derechos de una de las novela de su amigo Ernest Hemingway. Y así fue…

Jules Furthman y William Faulkner firmaron una adaptación de la novela homónima de Ernest Hemingway (con el beneplácito de este) que trasladada la acción de Cuba a la Martinica, para así acercar al espectador a la situación bélica de esos momentos. Pero no se quedo solo en eso, cambiaron personajes (por ejemplo dulcificaron el papel del borrachín Eddie), situaciones, pasajes completos y sobretodo le dieron muchísimo más protagonismo al personaje que interpreta Lauren Bacall.

Si queremos buscar fidelidad a la novela de Hemingway tenemos que remitirnos Punto de ruptura (1950) de Michael Curtiz y con John Garfield y Patricia Neal como protagonistas, pese a que mi recuerdo de ella es bastante vago.

Bogart borda su papel. Tal vez tenga que ver que es el mismo personaje de Casablanca. Una aventurero cínico y desarraigado que se encuentra a gusto en su pequeño reino (aquí su barca, en la otra el café) en un exótico lugar, que esta rodeado de las injusticias y a pesar de ello huye de mojarse. Pero una mujer rompe su dura coraza y le lanza a la acción más arriesgada para luchar por esa causa que era justa desde el principio.

El gran Walter Brennan a interpreta al borrachín bonachón, con Hawks volvería a interpretarlo en Rio Bravo y Rio rojo. Se trata de uno de los secundarios más desbordante del cine. Este aporta ese toque de humor típico de Hawks con su repetitiva pregunta ¿Le ha picado alguna vez una abeja muerta?

Pero no es el único, la frase se llena de grandes frases como “Nacionalidad, esquimal” o "Date una vuelta alrededor mío. ¿Ves alguna cuerda?" que mejor forma para explicar una filosofía de vida. Pero por encima de todas me quedo con esta, que no es solo la rase de la pelicula sino tambien la escena más destacable:
"No tienes que decir nada y tampoco tienes que hacer nada. Nada en absoluto. O quizá basta con que silbes. Porque sabes silbar, ¿Sabes silbar, Steve?. Tan sólo tienes que juntar los labios... y soplar."

Pero si algo es destacable realmente del film, fue el el debut cinematográfico de Lauren Bacall, que demuestra sus cualidades como actriz (Esta última vez que la he visto, ha sido en versión doblada y por ello me perdí esa voz ronca de la flaca, aunque por lo menos pude oírla cantar). El papel principal era para Ann Sheridan, pero Jack Warner propuso lanzar un nuevo rostro. La esposa de Hawks había descubierto a Bacall en la portada de Harper´s Bazaar e insistió mucho a su marido para que le realizase una prueba. La rival de Betty Bacall para el papel fue Dolores Morán, que finalmente interpreto a la esposa del líder de la resistencia.

Bacall y Bogart demostraron tener una gran química delante de las cámaras, y detrás también ya que un año más tarde estos se terminaron casando.

El desafío ha comenzado. Seguiré comentando…

EL LABERINTO DEL FAUNO (2006)

El laberinto del fauno
España, México, Estados Unidos, 2006
D: Guillermo del Toro.
G: Guillermo del Toro.
F: Guillermo Navarro.
M: Javier Navarrete.
R: Ivana Vaquero, Doug Jones, Maribel Verdu, Sergi Lopez, Ariadna Gil, Alex Angulo, Roger Casamajor, Federico Luppi, Cesar Bea y Manuel Solo.
Color-112 m.

Esta semana me gustaría hablar de esta gran película, que hace unos meses cuando seleccioné las mejores películas de la pasada década, la coloque en tercer lugar (detrás de Amélie y La vida de los otros).

Guillermo del Toro es junto a Alfonso Cuarón y Alejandro González Iñárritu, la selecta lista de los realizadores mexicanos que se han internacionalizado, y que cómodamente pueden trabajar en Estados Unidos o en Europa y son reconocidos como directores profesionales, insertándose en la industria cinematográfica. Cada uno ha querido conservar su estilo y cada uno tiene temas que son más o menos de su predilección. A Cuarón (Y tu mama también, Hijos de los hombres) le salen mejor las cosas cuando va hacia el lado sombrío de un mundo y personajes que parecen hundirse en un mar de incertidumbres, dudas y frustraciones; mientras González Iñárritu (Amores perros, 21 gramos, Babel) completa su trilogía ambiciosa sobre la condición humana en un mundo globalizado. En cambio, del Toro va hacia el lado fantástico, a un mundo más allá de nuestras dimensiones.

En El laberinto del fauno se percibe una vena cada vez más personal en sus filmes; tratando de expresar un mundo distinto al real, un mundo de sueños, de fantasías (pero no hermosas y edulcoradas). En esa línea, El laberinto del fauno es un trabajo bastante personal. Situándose en una época histórica determinada (los años posteriores al fin de la guerra civil española), vamos a penetrar en un mundo de hadas y faunos, donde la pequeña Ofelia es el nexo entre lo real y lo fantástico.

Sin embargo, estos son mundos paralelos, que jamás se unirán; es más, el mundo fantástico permanece en una ambigüedad: puede ser que sólo sea producto de la imaginación de la niña. Pero ambos mundos están relacionados también con el clima o ambiente que se vive: el mundo real es sombrío, frío, triste y por supuesto tiránico y represor con todo lo que no comulgue con el poder, encarnado en el capitán Vidal (fantástico Sergi Lopez); mientras que el mundo fantástico es más libre, brillante, intenso en la autorrealización (aunque no exento de pruebas y temores), donde la pequeña Ofelia se convierte en princesa.

El laberinto del fauno alterna ambos mundos no es un cuento de hadas infantil, como si hablásemos de Alicia en el país de las maravillas (ahora que tendremos la nueva versión Burtoniana en la cartelera), o más bien Ofelia en el país de las fantasias. La película tiene los elementos para proponer otra lectura más enriquecedora que el cuento, como que el mundo real es pálido y gris, mientras el mundo de nuestras fantasías y sueños es más hermoso y pletórico, a la vez que enriquecen nuestra vida interior.

Para mi esta es una de las películas imprescindibles de los ultimos años, ¿Que os pareció?

TRES COLORES: ROJO

Trois couleus: Rouge
Francia, Polonia, Suiza, 1994
D: Krzysztof Kieslowski
G: Krzysztof Kieslowski y Krzysztof Piesiewicz.
F: Piotr Sobicinski.
M: Zbigniew Preisner.
R: Irene Jacob, Jean-Louise Trintignant, Frederique Feder, Jean-Pierre Lorit, Samuel LeBihan, Teco Celio y Marion Stalena.
Color-99 m.

SINOPSIS: Después de atropellar y curar a su perra, una joven modelo francesa llamada Valentine, que vive sola en la ciudad suiza de Ginebra, conoce a un juez jubilado, que se dedica a espiar las llamadas telefónicas de sus vecinos. Entre los dos surgirá una peculiar relación. Al mismo tiempo, que el anciano revive su pasado, influye en las relaciones personales de la joven modelo.

Kieslowski, cierra con esta película su trilogía de los tres colores, que toma su nombre de los tres colores de la bandera francesa y toma como subtítulo, las famosas divisas galas, Libertad, Igualdad y Fraternidad. En este film, el rojo forma parte de muchas imágenes y secuencias, y la fraternidad es el tema central. Fraternidad entre dos personas solitarias, una que vive en un país que no es el suyo y esta sola, por la otra parte, un hombre intratable y solitario, que hace mucho tiempo que se alejó del mundo.
El director Krzysztof Kieslowski esta considerado como uno de los mejores retratistas ético del cine (quizás el mejor, junto a Dreyer). Al realizador polaco, le preocupaba la falta de comunicación, el distanciamiento entre las personas; se consideraba vinculado al cine moral, y en sus películas, siempre apostaba por las relaciones, desplegando humanidad, llenándolas de tolerancia, belleza y calma. Su carisma es que no decía grandes cosas, sino lo esencial; investigaba los más recónditos aspectos del amor, de la muerte, de los valores universales.
Su investigación se realiza en la elegancia; a veces la cámara, como en este film permanece a menudo en el rostro del personaje, porque para el director ese rostro es tan expresivo como una bomba. Hacía cine no para dar respuesta, sino para hacer preguntas: ¿Qué es lo que se ve? ¿Qué pasa con el frío, está más cerca de la muerte o de la vida? Respuestas paradójicamente cercanas y lejanas. Tres colores: Rojo es una película de afectos, elaborada entre los dedos del cine de su director, como un coleccionista de guiños y azares y ahogos de la vida humana que, felizmente, pueden llevarse mejor con los otros.

Se que es una película que tal vez no hayáis visto, pero es el momento de recomendar esos films un poco mas desconocidas, pero que cualquier persona amante del cine, debería ver...

AVATAR (AKA Pocahontas en el país de los pitufos alargados)

A petición de Gabi, amplío mi reseña sobre Avatar, también conocida como Pocahontas en el país de los pitufos alargados, una vez hecho un segundo visionado y después de que los Globos de Oro, la coloquen como gran favorita para los Oscars de este año (en mi próxima entrada, ya os hablaré de mi quiniela, para las nominaciones del próximo día 2). Como ya dije en un anterior post el autobautizado Rey del Mundo vuelve con una cinta aun más grande y espectacular que su última película, Titanic.

La película contiene los mismos errores que ya cometió en Titanic, dejar que el espectáculo visual y sonoro (esta vez la luminosa y fosforita luna Pandora) y una simple historia de amor hagan toda la película. Así que esto desmonta las numerosas teorías que decían que Avatar, iba a cambiar la historia del cine.

Además de los impresionantes efectos especiales y el increíbles uso del Dolby Digital THX (Eso si fue un invento que revolucionó el cine), tengo que descubrirme una vez más ante un genio, James Horner que compone una impresionante BSO para la película del canadiense.
A la película le falta chicha, pero cumple con el entretenimiento y demuestra lo que realmente el 3D puede dar, y tampoco es para tanto. Personalmente creo que será una moda pasajera (como el antiguo 3D) o se quedara para cosas muy especiales (como el sistema IMAX) por que la verdad tampoco proporciona nada especial, además de tener que sufrir las incomodas gafas, los tres euros que te cobran de más y en algunos casos migrañas y dolores de cabeza…Para mí es más un invento que se ha sacado la industria para que las películas sean más difíciles de piratear.

Volvamos a esos tres euros que cobran de más para también poder exponer el por que Avatar ya es la segunda película más taquillera de la historia.
1. Titanic (1997) $1,835,300,000

2. Avatar (2009) $1,606,767,005

3. El señor de los anillos: El retorno del rey (2003) $1,129,219,250

4. Piratas del Caribe: El cofre del muerto (2006) $1,060,332,628

5. El caballero oscuro (2008) $1,001,921,825

Eso es por que la taquilla manda. Si tuviésemos en cuenta el precio del las entradas en 1997, Avatar tendría que triplicar la recaudación de Titanic, para llegar a sus cifras… De hecho si miramos el número de espectadores la película todavía es la número 59 en el ranking, mientras que Titanic sería la cuarta en esta clasificación.

Y para acabar, lo más sugerente para mi de este film, es su guión, o más bien su incuestinonable plagio de la historia de Pocahontas.
1607 (2154) un barco (nave espacial) de colonos (marines) emprende rumbo hacia el nuevo mundo (Pandora) en busca de glorias y riquezas. En la nave va el Capitán John Smith (Jake Sully), un aventurero, ávido de descubrir mundo y conquistar territorios inexplorados. En ese nuevo mundo viven los Powatan (Na’vi) un pueblo pacifico que vive en una profunda conexión con la naturaleza que los rodea. Pocahontas (Neytiri), hija del jefe indio Powhatan, le cuenta a la Abuela Sauce, árbol tan grande como un edificio (Árbol madre), su sueño. Cuando llegan los barcos, los indios notan el arribo de los extraños y se preparan para atacar, los ingleses están preparados ante una posible sublevación india. El gobernador, John Ratcliffe (Coronel Quaritch), manda a los tripulantes a cavar para encontrar oro (unobtainium). John Smith, ante la curiosidad por nueva tierra, va de inmediato a recorrer. Ahí se encuentra con Pocahontas y pronto se enamoran. Ratcliffe decide enlistar a sus hombres para la batalla. John, al igual que Pocahontas, trata de oponerse a una guerra diciendo que son gente pacífica…
http://www.blogdecine.com/otros/avatar-quieres-leer-el-guion-que-escribio-james-cameron
¿Demasiados paralelismos, no?

Hay quien ha querido encontrar en la historia algo más, por ejemplo han querido ver en Avatar una crítica al ejército norteamericano, que lo invade y destruye todo. Hay quien cree que el film es un alegato ecologista y antimilitarista que quiere hablar de diálogo y convivencia entre culturas… Pero en Avatar no hay más historia que en la película de Disney (Ni siquiera llega al nivel de El nuevo mundo de Terence Malick).

Lo dicho espectáculo visual más relación amorosa igual a taquillazo Cameron, pero sin alma…

SIN PERDÓN (1992)

La dieciseisava película de la filmografía como director de Clint Eastwood, resultó ser su primera obra maestra, al menos esta fue la primera que obtuvo reconocimiento tanto en Estados Unidos y Europa. Sinceramente yo la consideraría la segunda por que la primera sería Bird (1988), pese a que en Estados Unidos fue un fracaso. Sus quince películas anteriores no pasaban de ser obras de aprendizaje o simplemente menores.

A raíz de esta enlaza otras siete películas que podrían considerarse nuevos clásicos, Un mundo perfecto (1993), Los puentes de Madison (1995) (Perdonadme si me pongo de rodillas), Mystic River (2003) y Million Dollar Baby (2004), Cartas desde Iwo-Jima (2006), El intercambio (2008) y Gran Torino (2008) y otras cuatro buenas películas, Poder absoluto (1997), Ejecución inminente (1999), Space Cowboys (2000) o Deuda de sangre (2002) y Medianoche en el jardín del bien y del mal (1998), que casi paso inadvertida por las pantallas cinematográficas, pero que es una película que adoro. Incluso le perdono el resbalón que tuvo con Banderas de nuestros padres.

Pasemos a hablar de una película, que resucito un genero que parecía estar muerto en todas sus formulas, pero quien mejor que Clint Eastwood (icono del genero), que aprendió de dos de los directores más importantes del genero (John Ford y Sergio Leone), para hacerlo. De Ford heredo la formula clásica, mientras que de Leone aprendió el uso de la violencia de forma precisa, contundente y necesaria, haciendo de esta una película realista. Por que sin la violencia no entenderíamos por que los personajes están hastiados de su pasado, ni por que desean terminar cuanto antes el encargo, para volver de nuevo a sus tranquilas vidas ordinarias.


Me gustaría resaltar el trabajo actoral del cuarteto formado por el mismo Eastwood, Morgan Freeman, Gene Hackman (Posiblemente lo mejor de la película) y Richard Harris, en un breve, pero antológico papel. Lástima que los siguientes films que se realizaron del género no siguieran su estela y se la pegaran de forma contundente...


La película gano cuatro premios Oscars (Película, Director, Montaje y Actor secundario para Hackman). Auque muchos tenéis en mente grandes directores (Allen, Scorsese, Coppola…) Eastwood es el ultimo cineasta clásico y el tiempo lo colocara junto al maestro Ford, Billy Wilder o Howard Hawks… Para mi el ya esta ahí…

LAS UVAS DE LA IRA (1940)

Seguimos con los imprescindibles con un gran clasico basado en la fantástica novela homónima de John Steinbeck, hizo que su autor recibiese el premio Pulitzer en 1940 y el Nobel en el 1962.

La cinta nos lleva a la America rural de los años 30. El país todavía sufre el desastre económico de del crack del 29 y en los estados de la America profunda, miles de granjeros intentan sobrevivir ante la Gran Depresión. Los Joad son unas de estas pobres familias de granjeros. Resignados después de que les expropien sus tierras se ven obligados a dejar su rincón de Oklahoma recorrer todo el estado en una vieja y destartalada camioneta, en busca de tierras donde puedan contratarles como jornaleros. Sin embargo, son muchas las personas en su misma situación, y el trabajo y la comida escasean. Solo les queda una única esperanza, emigrar a California, donde parece que si que hay trabajo para todos.

Steinbeck escribió una novela muy polémica en su época, ya que exalta los valores de la justicia y la dignidad humana en una Norteamérica que vive su etapa más triste, en cambio John Ford dio un paso más hacia delante cuando decidió substituir la compasión y la generosidad por una ideología revolucionaria, aquella de quienes no tienen pero además ven las injusticias en su vida. Esta es una pelas pocas películas de la época que se atrevió a rodar lo que estaba pasando en el interior del país. Hollywood le había dejado esa tarea a la fotografía y a la literatura. Pero quien mejor que Ford junto a su inseparable Henry Fonda para hacer una película tan necesaria como desgarradora.

El film tiene las estructuras de un western (recordemos, que estamos hablando de una película de Ford) reinsertándolas en un marco más moderno. De hecho la diligencia es reemplazada en esta ocasión por la desvencijada furgoneta. Además también vemos de nuevo el éxodo, algo que Ford repetiría después cambiando a los granjeros por mormones (Caravana de Paz, 1950) o por indios Cheyennes (El gran combate, 1964).

No puedo terminar sin acordarme del monologo final de Jane Darnell, que interpreta a la matriarca de la familia: Estamos vivos. Somos el pueblo que sobrevive a todo. Nadie nos puede destruir y nade nos puede detener. Le hacemos frente a todo. Existiremos siempre. Ni que decir tiene que sí este discurso se hubiese pronunciado diez años después, el Senador MacCarthy la hubiese tachado de antiamericana… Y tal vez no esa entrada nunca hubiese existido...

PD: El café de Rick ha superado las 1.000 visitas y todo gracias a vosotros. Tanto a los que participáis, como a los que me leéis... Muchas gracias!!! Gracias a todos!!! Un abrazo

MALDITOS BASTARDOS: Tarantino y la cinefilia

Todo el mundo conoce la profunda cinefilia de Tarantino y quien me conoce sabe de mi cinefilia con este realizador. Así ahora que ya he visto Malditos bastardos, una película basada en la película italiana, Aquel maldito tren blindado (1977, conocida en Estados Unidos como Inglourious Bastards) de Enzo G. Castellari (que tiene un pequeño papel, como homenaje). Como siempre, se apodera de una idea y la cambia por completo y la hace totalmente suya.

De hecho, sin City of fire (1987) no habría existido Reservoir Dogs (1992) o sin Mystery Train (1989) tal vez no hubiésemos disfrutado de Pulp Fiction. Sin Lady Snowblood (1973) el final de Kill Bill Vol.1 (2003) no hubiese sido el mismo. Sus films son grandiosos puzzles hechos por todas las películas que el director vio durante su época como empleado de videoclub… Personalmente creo que ha mezclado estupendamente el Spaghetti-Western, especialmente Erase una vez en el Oeste (1968) y El bueno, el feo y el malo (1966) y películas del estilo de La cruz de hierro (1977), Los doce del patíbulo (1967) o Los cañones de Navarone (1961).

Para mí junto a la BSO (que contiene cosas tan diferentes como Ennio Morricone, Bernstein, piezas de spaghetti-Western o David Bowie) lo mejor del filme radica en el malo malísimo del film: Hans Landa interpretado magníficamente por el austriaco Christoph Waltz, al que veo con serias aspiraciones para ser nominado a los Oscars como mejor secundario.

También destaco los trabajos del barcelonés Daniel Brühl, como soldado que se convierte en héroe y futura estrella cinematográfica; o Eli Roth (director de Hostel) interpretando al terrible oso judío, y el de las dos mujeres, Diane Kruger haciendo de estrella a lo Marlene Dietrich que trabaja a escondidas para los aliados y Melanie Laurent como Shosanna, una joven judía que escapa de las garras de Landa.

Esa cinefilia de la que os hablaba, le lleva a hablar de la importancia del cine y su poder propagandístico… Por eso en la película vemos como se cita El Orgullo de la Nación [Pieza rodada por Eli Roth, clara referencia a Los prisioneros de la montaña (1929), El triunfo de la voluntad (1934) y a su directora Leni Riefenstahl]… Y ese poder no se puede olvidar…

ED WOOD (1994)

Comienzo esta sección de películas imprescindibles, con una de mis películas favoritas, Ed Wood. Dirigida por el gran Tim Burton, resulta evidente que el realizador no quería elaborar un retrato fiel y realista del considerado peor director de la historia, ni tampoco quería enseñar esa visión decadente del Hollywood de esa época. Su único objetivo era hacer un homenaje, algo mitificador, a alguien sin grandeza ni talento, pero con una imaginativa tenacidad que si merece el reconocimiento y el respeto, que se apartó de su camino durante esos años…

En la película podemos encontrar a los habituales del realizador Johnny Depp y Lisa Marie (que en esos momentos seguía siendo su pareja), pero también echamos en falta a Danny Elfman, el compositor habitual en la filmografía de Burton

De la película destaco por encima de todo el trabajo de Martin Landau encarnando a un decrepito y olvidado Béla Lugosi, papel que le valió el Oscar a mejor actor secundario (también ganó el premio al mejor maquillaje). Para mi esta es una de las mejores interpretaciones de la década de los 90.

La historia se centra en la relación entre Ed Wood y Béla Lugosi. Mientras, narra las desventuras que Ed Wood sufrió, para poder rodar algunos de sus filmes (Glen or Glenda o La novia del Monstruo) y como finalmente pudo rodar su película más recordada, Plan 9 del espacio exterior.

Me quedo con una escena en concreto. En ella, Ed Wood (el peor director de la historia) se encuentra en un bar con Orson Welles (uno de los mejores) después de abandonar el rodaje de una de sus películas al discutir con el productor. Allí mantienen un pequeño dialogo, donde ambos ven que pese a su innegable diferencia de talentos, no son tan diferentes. Los dos tienen problemas con sus productores que le quieren recortar el metraje y el presupuesto. A ambos les imponen actores y les rechazan otros. La conversación termina con un consejo el genial director: Ed, merece la pena realizar los propios sueños, ¿por qué pasarse la vida intentando realizar los de otros?